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Get Up, Stand Up: Los 20 mejores cantantes de reggae de todos los tiempos

Los mejores cantantes de reggae van desde personajes influenciados por el soul y el góspel hasta voces únicas que solo pueden surgir desde el interior. Aquí hay 20 de los más grandes.

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Reggae Singers
Photo: Universal Music Group

Desde voces versátiles como la de Bob Marley, hasta el estilo teñido de soul y góspel de Toots Hibbert y los mensajes completamente comprometidos y absolutamente convincentes de Winston Rodney, los mejores cantantes de reggae de todos los tiempos son un grupo variado que demuestra que la música tiene mucho más que ofrecer que los estereotipos obvios. Ya sea que lideraron bandas o se hicieron un nombre como solistas, aquí están los 20 mejores cantantes de reggae de todos los tiempos.

Mientras lees, escucha nuestra lista de reproducción de las mejores canciones de reggae aquí.

Bob Marley: Místico Natural
Ahí está la imagen, clavada en las paredes de numerosos estudiantes. Están sus canciones, que hablaban al mundo no sólo de amor, sino de lucha y redención. Está su papel como el profeta que llevó el reggae a lugares donde nunca se había escuchado. Está su estatus único, como la primera superestrella mundial del “rock” que vino del llamado “tercer mundo”. Lo que a menudo se olvida de Bob Marley es la versatilidad de su voz: ser uno de los mejores cantantes de reggae de todos los tiempos es lo que lo hizo posible.

Bob Marley conquistó todos los estilos de la música jamaicana que se habían desarrollado desde principios de los 60 hasta su prematura muerte en 1981: fue una estrella del ska con The Wailers; cantó soul sedoso con el mismo grupo, igualando las glorias de The Impressions y Moonglows, los grupos vocales estadounidenses a los que admiraban. Cantó góspel. Hizo gloriosas canciones rocksteady que revelaron su habilidad para ser descaradamente salaz, romántico y político. Cantó canciones folk; se volvió un poco funky a principios de los 70 y luego demostró que una voz jamaicana podía llegar a todo el mundo.

Para hacer todo eso y tener éxito, tenía que haber sido bendecido con una voz maravillosa. Usar esa voz para hacer que su sistema de creencias sea entendido y respetado en todo el mundo es algo único. Bob era un cantante increíble, del tipo que te obliga a escuchar y que reconoces en el momento en que lo escuchas. Ya sea dándote la bienvenida a su fiesta de “Están todos invitados” que es “Jamming”, o perdido en la conexión sobrenatural con el universo que es “Natural Mystic”, Bob tenía pleno dominio de su material, de su música, y de su alma. Otros cantantes han realizado versiones de sus canciones, pero simplemente no pueden alcanzar las alturas a las que llegó como uno de los mejores cantantes de reggae de la historia. Lo tenía todo.
Escucha: Bob Marley y The Wailers, “Sun Is Shining”

Winston Rodney: Embajador Rasta
Winston Rodney no rompería copas de vino con su rango vocal. No haría que las chicas se desmayaran cuando cantaba en voz baja sobre el amor, como rara vez hacía. Ni siquiera intentó competir con los cantantes de soul de Estados Unidos por el poder. Pero si quieres el tipo de vocalista que solo Jamaica puede ofrecer, uno cuyo corazón y sentimiento esté en cada palabra que pronuncia, alguien que sabía lo que estaba tratando de decir y por qué lo decía, la voz principal de Burning Spear estaría en la parte superior de tu lista como uno de los mejores cantantes de reggae que la isla tenía que ofrecer. Deuna voz tranquila, casi hablada en voz baja hasta un lamento lloroso, este pionero de las raíces ha pasado la mayor parte de sus 50 años difundiendo el mensaje de las creencias Rastafari y Garveyita, y es claramente la misma voz que era cuando empezó: involucrado, comprometido, y absolutamente fascinante.
Escucha: “Throw Down Your Arms”

Toots Hibbert: Leyenda viviente
Ha sido comercializado como una especie de ícono popular, un hombre del soul y un cantante de góspel. Él es todos ellos, pero el hecho es que Frederick “Toots” Hibbert es, simplemente, un gran cantante de reggae. En su voz, escucharás el sonido de las iglesias jamaicanas de finales de los 50. Escucharás a alguien celebrando una boda. Oirás el grito de los presos en la cárcel. Oirás el campo, verde y exuberante. Escucharás los salones de baile repletos, sudorosos y ruidosos. Toda la vida jamaicana está en su obra.

Toots ganó fama como el cantante principal del trío vocal The Maytals, junto a Raleigh Gordon y Jerry Mathias. En 1963-64 grabaron éxitos de ska para Coxsone Dodd en el Studio One, continuaron grabando más para Byron Lee y Ronnie Nasralla en BMN, se tomaron un breve descanso mientras Toots resolvía algunas dificultades legales y luego regresaron en 1968 para grabar con Leslie Kong, quien produjo la mayoría de las canciones por las que son más recordados, incluyendo “54-46 That’s My Number”, “Monkey Man”, “Pressure Drop” y más. Los fans del reggae de todo el mundo se deleitaron con ellos. Cuando Kong falleció repentinamente, en 1971, el grupo se unió a Dynamic Sounds y grabó temas como “Louie Louie”, “It Was Printed Down” y el álbum clásico Funky Kingston en 1974. The Maytals se disolvieron a finales de los 70 y Toots ahora realiza giras con una banda etiquetada como The Maytals. Sigue siendo uno de los mejores cantantes de reggae de la historia: el epítome de una leyenda viviente.
Escucha: “Louie Louie”

Bunny “Rugs” Clarke: Tercer Mundo, Primera Clase
Third World fue uno de los mayores éxitos crossover del reggae de los años 70 y 80, con una versión de “Now That We’ve Found Love” de O’Jays, “Try Jah Love” y “Cool Meditation”, mezclando raíces, disco-funk de Estados Unidos y doblaje palpitante en un paquete práctico. Eran considerados como “de la zona residencial” más que como un gueto, y algo suaves, aunque hicieron más de lo que les correspondía en la entrega de la receta del reggae, particularmente en las Américas. Así que tal vez sea sorprendente que muchos críticos no se dieran cuenta de que su cantante principal, Bunny Rugs, era uno de los mejores cantantes de reggae de la época.

Si buscas alma, no busques más; tierno y poderoso por turnos, podría haber liderado cualquier acto de R&B de Estados Unidos con gran éxito. En cambio entregó el material de la banda de reggae a la perfección, y la perspectiva internacional de Third World se adaptaba a un cantante que había vivido tanto en Nueva York como en Kingston, Jamaica (grabó excelentes discos como solista en ambas ciudades a mediados de los años 70), y quién sabe qué podría haber sido si hubiera elegido permanecer como solista? Tal como están las cosas, su hermosa voz se escuchó en algunos de los mayores éxitos del reggae de finales de los 70, incluso si muchos fansno sabían su nombre.
Escucha: “Now That We’ve Found Love”

Delroy Wilson: Operador genial
Delroy Wilson comenzó a grabar en 1963 cuando tenía 13 años y una voz chillona. Tenía la capacidad de transmitir una canción, pero aún no tenía las habilidades vocales para hacerte dar cuenta de lo bueno que era; por lo tanto, canciones vitales como “Oppression” y “I’ll Change My Style” fue en gran parte pasado por alto. Sin embargo, en 1966, Delroy ya sonaba maduro, como dejaron en claro temas como “Dancing Mood” e “Impossible”. Su álbum Good All Over (1969) hacía honor a su título, y Delroy se había convertido en un experto en hacerte escuchar, su brillante fraseo influyó sin duda en numerosos cantantes jamaiquinos.

Una serie ininterrumpida de sencillos clásicos, que van desde la era del rocksteady hasta bien entrada la década de los 70, lo convirtieron en uno de los mejores cantantes de reggae de todos los tiempos. Ya sea ofreciendo la joya demasiado breve para amantes “Cool Operator”, la melodía de raíces rudas “There Will Be No Escape” o la sedosa versión de reggae para adultos de “I’m Still Waiting” de Bob Marley. Delroy hizo suya cada canción.
Escucha: “Dancing Mood”

Ken Boothe: Sr. Rock Steady
En el extraño mundo del reggae, es posible ser elogiado y pasado por alto al mismo tiempo. Ken Boothe alcanzó la fama como una de las mejores voces del rocksteady, gracias a su versión de “You Keep Me Hangin’ On” de The Supremes, la elegante “The Girl I Left Behind” y una poderosa versión de “Moving Away” de Kenny Lynch. No fue una falsa exageración que un álbum de 1967 se llamara Mr. Rock Steady. Boothe tenía – y todavía tiene – un enorme poder en su voz, como un hombre del soul sureño, pero lo usó con moderación, prefiriendo asegurarse de que se entendiera cada palabra y se respetara cada canción.

Una unión con el productor Lloyd Charmers le trajo dos éxitos del pop británico a principios de los 70: una versión de “Everything I Own” de David Gates y el original “Crying Over You”. Sin embargo, Boothe se mantuvo en contacto con las bases, como dejaron en claro “Artibella” y “Black Gold And Green”. Su estrella se desvaneció cuando llegó la era de los rockeros a finales de los años 70, aunque continuó haciendo buenos discos, y los recientes resurgimientos le han dado tardíamente la aclamación que merecía como uno de los mejores cantantes de reggae del mundo.
Escucha: “Is It Because I Am Black”

Janet Kay: Sacando el Sol
El lovers rock tuvo dos hijos de cobertura de prensa en los años 70: mala y ninguna. Esta música fue comprada por colegialas desmayadas y románticos incurables, y su profundidad tendía a pasarse por alto. Nacido en el Reino Unido en un momento en que una parte de la audiencia del reggae no se metía en las raíces del reggae en los años 70, el sonido estaba dominado por vocalistas femeninas y el objetivo era colocar el tipo de soul interpretado por artistas como Deniece Williams y Margie Joseph en un contexto de reggae.

Encontrar el tipo de habilidad vocal que Williams podía ofrecer siempre iba a ser difícil, pero en la adolescente Janet Kay, el lovers rock tenía una de las mejores cantantes femeninas del reggae: alguien que compartía su astronómico registro superior pero que se las arreglaba para sonar igual de dulce como sus contrapartes del soul. El disco de Kay, una versión de “Loving You” de Minnie Riperton, era fuerte; Otras canciones exuberantes, como “You Bring The Sun Out” y una interpretación de “I Do Love You” de Billy Stewart, funcionaron maravillosamente, y su número 1 en el Reino Unido, “Silly Games”, producido por Dennis Bovell, fue, para muchos escuchas, el pináculo del lovers rock: escúchala volar. Y si quieres escuchar más de las mejores cantantes de reggae de la esfera de los amantes, prueba con Louisa Mark y Carroll Thompson.
Escucha: “Silly Games”

Frankie Paul: Sr. Prolífico
A medida que el dancehall se hizo cargo de la música jamaicana en la primera mitad de la década de los 80, muchos veteranos cantantes de reggae lucharon por adaptarse al cambio, y las voces más nuevas que llegaron fueron requeridas principalmente para seguir el ritmo más que mostrar su personalidad vocal. Sin embargo, algunos cantantes notables, como Leroy Gibbon, Junior Reid y Jack Radics, por nombrar solo algunos, dieron a conocer su talento por encima de la electrónica, y ninguno fue más distintivo que Frankie Paul.

Nacido ciego, el talento de Frankie se hizo evidente desde una edad temprana, y grabó su primer sencillo en 1980, a la edad de 15 años. Su voz fenomenal se desarrolló a partir de un estilo influenciado por Stevie Wonder a un instrumento notablemente versátil – estaba muy feliz de presentar uno de sus discos al estilo de un DJ de radio estadounidense gimiendo el poderoso coro. Sus éxitos fueron innumerables (fue tan grande en 1987, por ejemplo, que grabó más de 30 sencillos ese año) y muchos de sus discos fueron himnos, como “Worries In The Dance” (1983), “Pass The Tu- Sheng-Peng” (1984) y “Shub In” (1986).

A finales de los 80, hizo una serie de discos maravillosos y totalmente seguros para el productor King Jammy en un estilo rocksteady digital, entre ellos “Sara”, “Casanova” y “I Know The Score”. Se discutió un contrato con Motown, pero nunca se materializó, por lo que el mundo en general nunca llegó a reconocerlo como uno de los mejores cantantes de reggae de la década, y sus lanzamientos fueron tan frecuentes que, finalmente, pasó de moda. Durante los años 90 tuvo menos éxito, aunque todavía editó decenas de discos. En la década de 2010, Frankie estaba plagado de problemas de salud, aunque todavía tenía una buena voz cuando tomaba el micrófono. Murió en 2017.
Escucha: “I Know the Score”

Dawn Penn: La reina del regreso
Como en tantas áreas de la vida, las mujeres no reciben un trato igualitario en el reggae. El talento está ahí, pero la oportunidad no. Y donde hay poco dinero y, a menudo, poco apoyo para una familia del “padre del bebé”, muchas mujeres sacrifican sus sueños para criar a sus hijos.
Dawn Penn ha demostrado ser una de las mejores cantantes de reggae de ambos sexos, pero se necesitaron dos carreras completamente separadas para que el mundo se diera cuenta de lo brillante que es. Su odisea musical comenzó cuando era solo una adolescente de dulce voz, grabando la gloriosa “Long Day Short Night” para el productor Prince Buster, una sensible interpretación de “To Sir With Love” para Bunny Lee y, en 1966, “You Don ‘t Love Me (No, No, No)”, una versión de un disco de blues de Willie Cobb que se convirtió en su mayor éxito de la época y un clásico del reggae con una pista rítmica muy versionada. Su voz quejumbrosa, conmovedora y juvenil fue el mayor activo del disco.

Continuó grabando hasta finales de los años 60 con un éxito limitado, pero se fue de Jamaica, aparentemente retirada de la música, habiendo visto poco retorno financiero por sus esfuerzos. Sin embargo, de la nada, regresó al negocio del reggae a principios de los 90. Ahora, en un panorama muy diferente, rehízo su mayor éxito para Play Studio One Vintage, un álbum en el que los principales productores digitales de la época, Steely & Clevie, recrearon hitos del reggae con un estilo actualizado. Su nueva versión de “You Don’t Love Me” se convirtió en el éxito del reggae de 1994, y finalmente Penn recibió su reconocimiento como una de las mejores cantantes de reggae del mundo. Desde entonces, ha aportado su marca de soul y estilo jamaiquino a la Orquesta Ska de Lee Thompson, y se ha presentado con gran éxito en Glastonbury, además de lanzar regularmente buena música, incluida la lánguida y moderna con tintes de R&B “Chilling”, en 2015.
Escucha: “You Don’t Love Me (No, No, No)”

John Holt: El maestro
Precursor del tipo cool en el que se especializó Gregory Isaacs, John Holt fue un coloso del reggae y un maestro de todos los estilos que la música tenía para ofrecer. Comenzó su carrera en la era del ska y, cuatro décadas después, llenaría el Royal Albert Hall de Londres en compañía de una orquesta sinfónica. Saltó a la fama en Jamaica con el excepcionalmente talentoso grupo vocal The Paragons, grabando clásicos como “Riding High On A Windy Day”, “Happy Go Lucky Girl” y la versión original de “The Tide Is High”, que Holt escribió y que más tarde llevó a Blondie y Atomic Kitten a lo más alto de las listas británicas.

The Paragons eran el conjunto vocal más sedoso de Jamaica con diferencia, con Holt al frente de sus grabaciones la mayoría de las veces; a finales de los 60 también trabajó como solista, grabando joyas como “Ali Baba”, “OK Fred”, “Tonight” y muchas más, y entró en los 70 como uno de los mejores cantantes de la época. . Holt hizo que todo pareciera fácil, y su álbum Time Is The Master lo encontró trabajando con ritmos pesados ​​de reggae y una orquesta al mismo tiempo, un estilo que lo llevó a grabar varios álbumes con Trojan en un estilo similar; sus 1000 Volts Of Holt, 2000 Volts Of Holt, etc., la serie se mantuvo en prensa durante años. Tuvo un éxito en el Top 10 del Reino Unido con una versión de “Help Me Make It Through The Night” de Kris Kristofferson en 1974, y generalmente se lo consideraba la voz tranquila de la zona residencial de Jamaica.

Sin embargo, había más en Holt que esto. A mediados de los años 70 se anotó un gran éxito con el contundente “Up Park Camp”, y su álbum de 1977 Roots Of Holt fue un ejemplo de cómo ser pesado y elegante al mismo tiempo. En 1983 se asoció con el pionero productor de dancehall Junjo y grabó “Police In Helicopter”, una canción sobre la eterna lucha entre las autoridades y los granjeros de ganja que fue un gran éxito dondequiera que había una audiencia de reggae. Otros buenos sencillos para los sellos Parish y Jammy, entre otros, mantuvieron la reputación de Holt como uno de los mejores cantantes de reggae de la era digital. Tal vez podría haber disfrutado de una racha más larga de éxitos pop si hubiera estado mejor comercializado, pero Holt realmente no lo necesitó: era una leyenda de todos modos.
Escucha: “Police In Helicopter”

Bunny Wailer: Hombre de Corazón Negro
Después de que Bob Marley falleciera en mayo de 1981, algunos fans se preguntaron quién reclamaría su corona como el artista más grande del reggae. Un candidato era Bunny Wailer, el aliado de Marley en The Wailers cuando eran un grupo vocal en lugar de una banda de acompañamiento. Comercial y artísticamente, Bunny tuvo un excelente comienzo de los 80: nos trajo la hermosa Sings The Wailers, una selección de melodías clásicas de los Wailers que actualizaron su sonido para una era moderna, y el glorioso Rock And Groove, que canalizó elegantemente su sonido hacia el período rub-a-dub que cerró la brecha entre las raíces y el dancehall.

Pero nadie reclamó la corona de Bob, ni Bunny la quería. Como Neville Livingston, había estado en The Wailers desde el principio y ayudó a mantener el nombre del grupo a la vanguardia de la música jamaicana en los años 60 al presentar fabulosos discos rocksteady como “Let Him Go”, “Dancing Shoes” y “Sunday Morning”. Bunny formó parte de los primeros dos grandes álbumes de The Wailers para Island Records, Catch A Fire y Burnin’, y había hecho las canciones de raíces más reflexivas y espirituales para su propio sello Solomonic venerado durante los años 70. Bunny no necesitaba el título de su difunto camarada. No tenía nada que afirmar o probar.

Junto con Peter Tosh, Bunny había dejado The Wailers en 1973 y los músicos con los que tocaba Bob todavía trabajaban en los magníficos sencillos de Bunny para Solomonic hasta bien entrados los 70. Bunny grabó una serie de canciones con mensajes medidos y completamente inteligentes, como “Life Line”, “Bide Up” y “Arab’s Oil Weapon”, antes de revelar Blackheart Man en 1976, uno de los mejores discos de reggae Rasta de los años 70.

Lanzó una bomba musical tras otra: los álbumes Protest y Struggle, la primera de sus poderosas colecciones de Dubd’sco, y sencillos que tenían a los fans salivando, tales como “Rockers” y el peso pesado “Rise And Shine”. Las uniones con Sly And Robbie y la banda The Roots Radics lo cambiaron del sonido tradicional de los Wailers a los años 80 para Sings The Wailers y Rock And Groove; Tribute fue su excelente interpretación de algunas de las canciones más conocidas de Bob Marley. Bunny asumió el mundo del electro y el rap con los sencillos “Back To School” y “Electric Boogie”, y este último se convirtió en un gran éxito en Estados Unidos cuando fue interpretado por Marcia Griffith bajo el estandarte de producción de Bunny: se había movido con los tiempos, pero conservaba su esencia.

Álbumes como Rule Dance Hall y Liberation demostraron que su clase era eterna, obtuvo tres premios Grammy en los años 90 y recibió la codiciada Orden del Mérito de Jamaica en 2016. Si bien sus actividades de grabación se desaceleraron después del 2009, Bunny ha estado involucrado en la curaduría de su clásicos que no estaban disponibles desde hace mucho tiempo, y sigue siendo la voz auténtica y la figura original del roots reggae. Solo hay un Bunny Wailer.
Escucha: “Dreamland”

Peter Tosh: El doctor Bush
El tercer miembro del trío vocal clásico de los Wailers, a diferencia del juguetón Bob Marley y el apacible y conmovedor Bunny Wailer, Peter Tosh fue uno de los cantantes más duros del reggae; no es coincidencia que cantara “Stepping Razor”. Quizás el instrumentista más talentoso de los tres, Tosh se habría ganado la vida en la música si no hubiera tenido una gran voz, tocando la guitarra, los teclados, la percusión y la melódica. Pero si bien era un fabuloso cantante de armonías, también poseía un estilo de vocalista principal feroz y contundente para adaptarse a sus estados de ánimo más militantes.

Cuando The Wailers estaban en su “era de chico rudo” en los años ska de los 60, Tosh era creíble en el papel, entregando “I’m The Toughest” y “Treat Me Good”, o condenando a un alma descarriada en “Maga Dog”. También tenía una manera elegante con una canción tradicional, como “Jumbie Jamboree” y “Shame And Scandal”, donde su tono áspero y gutural adquirió una sonrisa maliciosa y sarcástica. También fue uno de los primeros artistas en adoptar el Rastafarianismo en el reggae, grabando “Rasta Shook Them Up” en 1967, y su rectitud espiritual afloró en su versión de “Sinner Man” de Nina Simone, que también inspiró su posterior sencillo militante, “Downpresser”.

Cuando The Wailers firmaron con Island en 1973, Tosh era coautor de una de sus llamadas revolucionarias más célebres, “Get Up, Stand Up”, y grabaron versiones adicionales de sus canciones anteriores “400 Years” y “Stop That Train”. Pero Tosh sintió que la estrella de Bob estaba siendo promovida a expensas del grupo, por lo que renunció, llevándose consigo gran parte del lado duro de The Wailers.

Al fundar su sello Intel Diplo (es decir, Intelligent Diplomat), grabó una serie de excelentes sencillos, incluidos “Burial” y “Legalise It”, este último se convertiría en la canción que le diera título a su célebre álbum debut para Virgin en 1976, seguido del típicamente feroz álbum Equal Rights en 1977.

Firmando con Rolling Stones Records, Tosh llegó al Top 50 con una asombrosa transformación de “(You Gotta Walk) Don’t Look Back” de The Temptations con Mick Jagger en unos coros destacados, del álbum Bush Doctor, titulado como uno de los sobrenombres de Tosh. apodos (un Bush doctor es un hombre sabio y proveedor de medicinas naturales). Ese fue el primero de cuatro poderosos álbumes que lanzó para el sello de los Rolling Stones, todos los cuales fueron éxitos underground en los Estados Unidos, y uno, Mama Africa (1983) llegó al Top 50 en las listas de álbumes de Billboard.

El último álbum de Tosh fue el energético No Nuclear War en 1987, que le valió un Grammy. La carrera de Tosh estaba al alza, lo que hizo aún más trágico que el gran artista de reggae fuera asesinado a tiros en un robo fallido en su casa en septiembre de 1987, otra víctima de la violencia sin sentido de Jamaica.
Escucha: “Legalise It”

Leroy Sibbles: Nacido para emocionarte
Que voz. Conmovedora, poderosa, tierna, ligera o pesada, el artista de reggae Leroy Sibbles puede hacerlo todo. Y ni siquiera era el único cantante fabuloso de su grupo, The Heptones. Como si su canto, a la altura de los mejores cantantes de soul de Estados Unidos no fuera suficiente, Sibbles pasó gran parte de los años 60 y 70 como principal bajista de sesión, en una forma de música donde la línea del bajo hace que una canción sea memorable. Sin duda, uno de los mejores artistas de reggae que jamás haya existido.

Sibbles tocó literalmente docenas de éxitos y también estaba escribiendo canciones para su grupo, junto con sus otros miembros, Barry Llewelyn y Earl Morgan. The Heptones se hicieron un nombre en el Studio One a finales de los años 60, golpeando con la lasciva “Fatty Fatty” y una versión con un sonido ingenuo de “Only Sixteen”, pero su verdadero estilo rápidamente entró en acción en la más seria “A Change Is Gonna Come”, “Soul Power”, “Heptones Gonna Fight” y una magnífica versión de “Choice Of Colours” de The Impressions. El grupo lanzó cuatro álbumes y numerosos sencillos antes de dejar el Studio One en 1971 para trabajar como freelance para la mayoría de los grandes productores del reggae de los 70. La voz de Sibbles estaba completamente madura ahora, y discos como “Love Won’t Come Easy”, “Party Time”, “Born To Love You” y “Cool Rasta” la mostraron al máximo, en medio de algunos de los mejores cantos armónicos que Jamaica tenía para ofrecer.

The Heptones grabaron dos álbumes para Island a mediados de los 70. Night Food que incluyó el sencillo clásico “Country Boy”, el feroz “Deceivers”, además de “Book Of Rules”, la disertación filosófica de Barry Llewelyn que se basó en un poema escrito en 1890 y luego fue “tomado prestado” por Oasis en “Go Let It Out”. Su segundo set en Island, Party Time, incluyó el peso pesado “Storm Cloud” y un súper corte de “I Shall Be Released”. (El álbum es parte de una notable producción de tres discos del pionero de la música dub Lee ‘Scratch’ Perry, cuya adopción temprana de los efectos de estudio como productor lo convirtió en una de las figuras más importantes en el mundo de la música). La inconfundible voz de Sibbles también apareció sin acreditar en “Dread Lion” en el notable LP Super Ape de The Upsetters. Dejó The Heptones para emprender una carrera solista alrededor de 1978, y grabaciones como “This World”, “Garden Of Life” y una nueva versión de “Choice Of Colours” fueron ejemplos perfectos del oficio de vocalista de raíces. Sus álbumes Now y Strictly Roots, para Micron en Canadá, y Evidence para A&M, fueron un excelente reggae moderno de un maestro.

Sibbles tuvo varios regresos a The Heptones a lo largo de las décadas, y todavía tiene miles de fans devotos en todo el mundo, que admiran tanto sus habilidades como cantante de reggae como esas notables líneas de bajo que se convirtieron en la piedra angular de generaciones de novelas de suspenso.
Escucha: “Deceivers”

Beres Hammond: La fuerza moderna
La definición de un artista de reggae conmovedor moderno, Beres Hammond se encuentra solo en la música jamaicana, habiendo alcanzado un nivel de dominio y amplia aceptabilidad al que la mayoría de los otros cantantes solo podrían aspirar. Ahora en sus 60 años, su carrera discográfica ha retrocedido un poco, pero cuando lanza un álbum o un sencillo, el impacto es inmediato, tal es su legión de fans.

Hammond comenzó su carrera en su adolescencia durante los años 70, grabando algunos sencillos en solitario antes de unirse a la pulida banda Zap Pow en 1975. Inmediatamente le dio al grupo una presencia adicional a través de su estilo conmovedor, influenciado por vocalistas estadounidenses como Sam Cooke y Bobby Womack. y su álbum Zap Pow (Island, 1978), con un paquete distintivo, se convirtió en su declaración musical definitiva: la banda se extendió a lo largo de seis pistas largas, incluida la soberbia “Last War”, que Hammond coescribió. Cuando Zap Pow se separó al final de la década, Hammond se concentró en su floreciente material como solista. Con razón, su primer disco se llamó Soul Reggae.

Él se había ido solo en un momento complicado: el dancehall creció rápidamente en los años 80 para dominar la música jamaicana, y los DJ (raperos de reggae) la dominarían, no los cantantes con voces ahumadas y quejumbrosas. Pero Hammond formó su propio sello, Harmony House, y pasó gran parte de 1985-86 en la cima de las listas de reggae en todo el mundo con tres atractivos éxitos, “Groovy Little Thing”, “What One Dance Can Do” y “She Loves Me Now”, todos fusionando su sensibilidad melódica con el nuevo sonido dancehall. Soportó un robo brutal en su casa en Jamaica, en 1987, lo que desencadenó su mudanza a la ciudad de Nueva York, pero no perdió el contacto con la vibra de la isla. En 1989 disfrutó de un éxito Top 50 con “How Can We Ease The Pain”, un dueto con Maxi Priest, y una unión con Penthouse Records, en Jamaica, a principios de los 90 tuvo éxito con “Tempted To Touch”, “No More Pain”y “Is It A Sign”. Los aspectos más destacados a medida que los 90 se convirtieron en los 00 incluyeron “Call On The Father, “They Gonna Talk” y “I Feel Good.”. El resto del mundo reconoció el impacto duradero de Hammond al escucharlo cantar en la ceremonia inaugural de la Copa Mundial de Críquet de 2007, y en 2013 fue honrado con la Orden de Jamaica por su contribución a la industria musical de la isla. Beres Hammond ha hecho acarició a sus fans durante décadas, todavía totalmente comprometido, porque no conoce otra manera.
Escucha: “Call On the Father” (aka “Serious”)

Joseph Hill: El levantador de corazones
El cantante líder de Culture, Joseph Hill, fue uno de los artistas clave del reggae que ayudó a popularizar el género en todo el mundo gracias a una serie de álbumes de los 70 que fascinaron a punks, hippies y roots folk por igual. Culture, un trío vocal compuesto por Hill, Kenneth Dayes y Albert Walker, irrumpió en 1977 con Two Sevens Clash, un álbum que resonó mucho más allá del corazón del reggae. Con ritmos poderosos creados por el productor Joe Gibbs y el ingeniero Errol T, el grupo cantó preocupaciones puramente Rasta y canciones como “I’m Not Ashamed” y “Natty Dread Taking Over” se convirtieron en himnos de su época. El grupo grabó suficiente material para tres álbumes con Gibbs, pero rápidamente llegó a un acuerdo con la productora Sonia Pottinger y Virgin Records para más álbumes conmovedores, Harder Than The Rest (1978), International Herb y Cumbolo (ambos de 1979), a veces acreditados como The Cultures. También hubo un set de remixes, Culture Dub.

¿Qué los hizo tan atractivos? Gran parte de ello fue la voz y la actitud de Joseph Hill, su energía y su alma. Incluso cuando cantaba sobre el sufrimiento, su voz te llamaba a ponerte de pie, te instaba a sentir lo que él sentía y levantaba tu estado de ánimo. No era el vocalista más pulido, y Culture tampoco era el grupo vocal más suave de Jamaica, pero tenían tal espíritu. La voluntad de vivir tiempos difíciles y encontrar un mundo mejor estuvo presente e inextinguible en todas sus interpretaciones. Cada vez que escuchabas a Culture, te sentías un poco mejor.

El grupo continuó grabando álbumes hasta bien entrados los años 80 y Hill mantuvo el nombre incluso después de que dejó de ser un grupo vocal. Produciendo su propio material, mantuvo su postura de raíces, pero también se las arregló bien con el auge del dancehall, grabando numerosos álbumes y trabajando en sencillos para su propia productora.

Continuó haciendo discos hasta su muerte en 2006. Culture sigue vivo, liderado por Kenyatta Hill, el talentoso hijo de este notable cantante. No solo más duros que el resto, Joseph Hill y Culture también fueron más brillantes, más sabios y más enérgicos…
Escucha: “Stop The Fussing and Fighting”

Marcia Griffiths: Realmente juntos
El problema de ser mujer en el reggae es que se te considera el mercado objetivo, no la artista. Tienes que esforzarte mucho para sobrevivir en el mundo del reggae, y son pocas las que han prosperado en él durante mucho tiempo. La artista de reggae Marcia Griffiths es una de las pocas y tiene la fuerza interior y la fe necesarias para mantener su posición a lo largo de los años. Y, por supuesto, es una cantante fabulosa.

Como muchos de los grandes artistas de reggae de Jamaica, Marcia Griffiths comenzó su carrera en el Studio One cuando apenas estaba en la adolescencia. Sus primeros discos fueron de un alto nivel – “Funny”, “Mark My Word” y el magnífico “Melody Life” entre ellos – pero todos quedaron eclipsados ​​​​por su éxito de 1968 “Feel Like Jumping”, un sencillo que fue un golpe maestro y que permanece eternamente contemporáneo. Un cambio a Harry J records en 1969 fue aún más impresionante; el productor la hizo grabar sus maravillosos sencillos, tales como una brillante versión de “Don´t Let Me Down” de The Beatles y una perversa adaptación de “Band Of Gold”, y la animó a continuar su asociación con Bob Andy, el cantante y compositor magníficamente conmovedor con el que había trabajado en Studio One. El dúo obtuvo un número 1 en el Reino Unido con “Young, Gifted And Black” en 1970, que también se vendió mucho en los Estados Unidos. cuando Tamla lo recogió para su lanzamiento. La pareja tuvo éxito de nuevo con “Pied Piper” al año siguiente. Eran amantes y su cercanía se mostró en discos románticos como “Really Together”.

En 1973, Griffiths estaba lista para seguir adelante con su carrera, y grabó algunos buenos lados conmovedores para el productor Lloyd Charmers, incluidos “Sweet Bitter Love” y “Play Me”. Uniones más duraderas con dos figuras diversas la pusieron en caminos paralelos. Comenzó a trabajar para una de las pocas productoras de reggae de los 70, Sonia Pottinger, lo que dio como resultado dos álbumes que se vendieron durante años, Naturally y Steppin, y Marcia se unió a The I-Threes, quienes cantaron como teloneros de Bob Marley.

Para Marcia, esto significó viajar por el mundo, obtener un ingreso confiable por primera vez y recibir todo el crédito donde correspondía. Además, hicieron sus propios buenos discos. Marcia continuó grabando a lo largo de los años 80, su voz fuerte era más que compatible con los nuevos ritmos electrónicos, y en 1990 “Electric Boogie”, producido por Bunny Wailer, llegó al número 51 en los Estados Unidos.También estaba grabando más discos que la mayoría de sus contemporáneos en el estilo ragga a dúo, disfrutando de un éxito tras otro en las listas de reggae como artista para el sello Penthouse. Fuerte, concentrada y con una voz encantadora y cálida, todavía está grabando y de gira, y es tan respetada y querida como siempre.
Escucha: “Steppin’ Out A Babylon”

Jacob Miller: El líder perdido
Jacob Miller quizás no sea la opción más obvia para una lista de los mejores cantantes de reggae, no porque la destreza vocal de este artista estuviera alguna vez en duda, sino porque apenas tuvo tiempo de cumplir su destino, muriendo en 1980, con solo 28 años. Pero durante su carrera cruelmente recortada, demostró ser capaz de cantar las canciones de raíces más duras sin dejar de tener un impacto en el mundo del pop. Efervescente, energético y nunca dando menos que lo mejor de sí, si Miller hubiera vivido, podría haberse convertido en el artista internacional más importante del reggae.

Grabó su sencillo debut, “Love Is A Message”, cuando aún era un adolescente de voz chillona. En 1974, estaba trabajando con la leyenda del underground Augustus Pablo, quien produjo a Miller en una serie de discos notables que enfatizaban su juventud. pero tenían un atractivo para gente más grande, entre ellos el inquietante “Girl Name Pat”, el asertivo “Keep On Knocking”. y el clásico eterno, “Baby I Love You So”. Este último fue respaldado por una poderosa versión dub, “King Tubby Meets Rockers Uptown”, que muchos fans vieron como la definición de música de raíces. Sin embargo, Miller no se quedó mucho tiempo en ninguna parte y pronto estuvo grabando para Joe Gibbs (“I’m A Natty”), Channel 1 (“Bald Head”) y, más importante, Tommy Cowan, para quien formó equipo con el grupo Inner Circle, grabando clásicos arraigados como “Tenement Yard”, “Tired Fe Lick Weed Inna Bush” y “Forward Jah Jah Children”.

Con la poderosa Fatman Riddim Section de Touter Harvey, y los hermanos Ian y Roger Lewis detrás de él – los dos últimos tipos fornidos, como el propio Miller –  Inner Circle parecía imparable. Acumularon éxito de reggae tras éxito de reggae, la voz de Miller ahora madura y su fascinante presencia en el escenario, y su álbum Jacob “Killer” Miller fue uno de los discos más grandes del ’77 para cualquier artista de reggae. Inner Circle firmó con Island para Everything Is Great, un álbum de oro que engendró la fusión perfecta de reggae y música disco del éxito del título. Justo cuando su estatus como el próximo ícono global del reggae parecía asegurado, Miller murió en un accidente automovilístico en Hope Road, Kingston, no lejos de las instalaciones de Tuff Gong de Bob Marley. Este artista de reggae había acumulado mucho en su corta vida, pero su mejor energía fue solo un indicio de lo que podría haber logrado
Escucha: “Everything Is Great”

Desmond Dekker: El pionero
Desmond Dekker, el primer gran creador de éxitos internacionales del reggae, una estrella de las listas de éxitos del Reino Unido y los Estados Unidos. Sus canciones, como “Israelites”, “007” e “It Miek”, pueden haber sido tarareadas por amas de casa y escolares de todo el mundo, pero eran fragmentos de la vida y la cultura de Jamaica, y el hecho de que las letras se cantaran en dialecto solo hace que lo más notable es que Dekker pudo venderlos a una audiencia que no sabía nada sobre las luchas de los pobres de Jamaica.

La familiaridad genera desprecio, y la brillantez de la voz de Dekker a menudo pasa desapercibida. Escucha el tono resignado de este artista de reggae en “007 (Shanty Town)”, viendo a los rudos de 1967 crear caos con su violencia y a los soldados preparándose para liquidarlos. Escucha su dolorida voz de tenor alto en “Fu Manchu”, un disco de rareza oscura y permanente. Escúchalo rogar a alguien que entienda sus súplicas de orden en “It Pays” o su júbilo en “Intensified”. Dekker era el maestro de su arte.

Sus mejores discos los grabó con Leslie Kong, quien lo produjo a partir de 1963 tras una audición en la heladería Kong’s en Kingston. Island recogió sus primeros discos para publicarlos en el Reino Unido, luego se mudó a un sello relacionado, Pyramid, en 1966. Fue aquí donde disfrutó la mayor parte de sus éxitos, algunos con los coristas The Aces, incluido “Pickney Girl”. “It Miek” e “Israelites”, y un cambio a Trojan lo vio anotarse un éxito con “You Can Get It If You Really Want” de Jimmy Cliff, una rara versión en el catálogo de canciones originales de Dekker. Fue el artista internacional más grande del reggae antes de que Bob Marley se hiciera famoso a nivel mundial, con “Israelites” alcanzando el número 9 en los Estados Unidos y el número 1 en el Reino Unido. Pero cuando Kong falleció en 1971, con solo 38 años, Dekker luchó por encontrar un productor que lo entendiera tan bien, y los éxitos se agotaron, aunque las reediciones de sus clásicos aún figuraban en las listas.

Un intento de actualizar su estilo para la era de los 2 tonos en Stiff Records no logró recuperar su éxito, aunque siguió siendo popular como artista en vivo. Dekker murió en 2006, después de haber demostrado que los artistas de reggae tenían un enorme potencial internacional y que no tenías que venderte para vender discos.
Escucha: “007 (Shanty Town)”

Alton Ellis: No puedo parar ahora
Cuando el rocksteady barrió con el ska a mediados de los 60, este estilo de baile más lento y conmovedor tenía dos soberanos. Uno era Ken Boothe, el otro era Alton Ellis. Ambos eran muy conmovedores, pero mientras Boothe era controlado, medido y estaba a cargo de sus emociones, el enfoque de Alton fue mucho más crudo y eléctrico. Era como si supiera que solo tenía un par de minutos para expresar sus sentimientos, y se aseguraría de hacerlo.

Ellis comenzó su carrera en un dúo vocal con Eddy Perkins, teniendo éxito en Jamaica con la balada “Muriel”. Si bien era fuerte cuando cantaba ska, criticando a los chicos rudos en discos como “Dance Crasher” y “The Preacher”, se destacó cuando llegó el rocksteady en el 66 y los discos que hizo con y sin sus coristas, The Flames, en el sello Treasure Isle, lo convirtió en una fuerza a tener en cuenta. “Cry Tough”, “Rock Steady”, “Can’t Stop Now”, “Ain’t That Lovin’ You”, “Girl I Got a Date”, “Breaking Up”… estos son clásicos duraderos de la música jamaicana. Cambiando entre los dos grandes estudios rivales de la Jamaica de los años 60, Treasure Isle y Studio One, Alton era muy solicitado, con éxito tras éxito declarando su insaciable deseo de liberar su alma. Cuando llegó el ritmo más apremiante del reggae, Alton anotó con “La La Means I Love You”, “Live And Learn” y “Tumbling Tears”, y así siguió hasta los 70. El segundo disco de este artista de reggae, Sunday Coming (1971), fue brillante de principio a fin, y en parte reflejó su habilidad para bajar como lo hacían los estadounidenses, una característica clave de su acto en vivo en ese momento.

A principios de los 70 grabó discos culturales llenos de ideas y fuego, tales como “Lord Deliver Us”, “Arise Black Man” y “Back To Africa”. Una mudanza al Reino Unido lo alejó un poco del enfoque del reggae, pero aun así presentó lados increíbles como “Rasta Spirit” y el gloriosamente sereno “Reggae With You”, y también grabó melodías de ragga digital, cuando ese estilo llegó. Durante los años 90 y 2000, sus conciertos se convirtieron en una celebración de todo lo que él y la música jamaicana habían vivido. Falleció en 2008, a la edad de 70 años, después de haber brindado a muchos fans algunos de los mejores momentos de su vida musical.
Escucha: “I’m Still in Love With You”

Dennis Brown: El príncipe heredero
Solo hubo un cantante con el título de Príncipe Heredero del Reggae: Dennis Brown. (Puedes adivinar quién era el rey). Este artista de reggae comenzó su carrera a la edad de 12 años, en Studio One, después de que el productor Derrick Harriott lo descubriera en un programa de talentos, quien accedió a grabarlo, pero no lo llevó al estudio lo suficientemente rápido. El sencillo debut de Brown fue “No Man Is An Island”, la canción de Van Dykes que Harriott le había enseñado, y acumuló una serie de éxitos en Studio One, cantando como adulto con una voz bastante juvenil: “Easy Take It Easy, “Perhaps”, “If I Follow My Heart”… Estados Unidos tenía a Michael Jackson como su estrella juvenil, Jamaica tenía a D Brown. Pero Dennis rápidamente se puso serio y pronto abordó temas de roots. Su tercer álbum, Super Reggae And Soul Hits, finalmente vio a Derrick Harriott tomando parte de la acción, y estaba lleno de buenas canciones.

Pronto, Dennis estaba en todas partes en el reggae, arrasando como artista con una versión de “Money In My Pocket”, grabando una gran interpretación de “Black Magic Woman” de Fleetwood Mac y anotando mucho para el productor Niney The Observer en una gran cantidad de discos candentes incluyendo “Cassandra” y “Westbound Train”, basada libremente en el ritmo que Willie Mitchell produjo para Al Green en Memphis.
Y así continuó a lo largo de los años 70, con Dennis lanzando una serie de álbumes que siguen siendo clásicos: Visions Of Dennis Brown, Words Of Wisdom, Just Dennis and Wolf And Leopards entre ellos, con el sello DEB (sus iniciales, Dennis Emmanuel Brown). Lanzando producciones propias y discos de otros artistas. Brown finalmente consiguió un éxito en las listas del Reino Unido con una nueva versión de “Money In My Pocket” en 1978; debería haber habido muchos más.

Cuando llegaron los años 80, Dennis nunca dio menos que lo mejor de sí mismo en los discos y en las reuniones de fieles que eran sus presentaciones en vivo. Se las arregló admirablemente con el cambio radical que supuso el dancehall digital gracias a los discos producidos por King Jammy (The Exit , también conocido como History) y Gussie Clarke (una poderosa combinación individual con Gregory Isaacs, “Big All Around”). Pero los problemas de salud lo golpearon durante los años 90, aunque se negó a reducir su carga de trabajo, y en 1999 el gran artista de reggae falleció después de contraer una neumonía y sufrir un colapso pulmonar. La causa de la muerte fue un fallo coronario, lo que no sorprendió a sus fans: les había cantado con todo su corazón durante décadas. Muchos otros cantantes jamaiquinos han tratado de emularlo, pero solo habrá un Dennis Brown.
Escucha: “Here I Come”

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